在古希腊戏剧家埃斯库罗斯剧作的演出中，演员身穿各色带有花饰的长袖袍子，头戴面具，蹬高底靴，以夸大演员的身材，使观众在远距离内能清楚辨认。到了索福克勒斯和欧里庇得斯时代，剧中人则以有悲剧色彩的黑色服装为主，已与当时的爱奥尼族样式相接近。古希腊喜剧服装则更为夸张，到米南德为代表的后期希腊喜剧服装向生活服装靠近。

欧洲中世纪的宗教剧中，由僧侣兼任的演员，就以平时僧袍为演出服。中世纪后期，各大行会资助演出工作，因而炫耀财富，攀比气质，演员们服饰华丽，幻想式与象征性舞台服装争相出现。

文艺复兴时期，在历史剧的演出中，角色服装除首饰及手用小道具有所变换外，与日常生活服装距离很小，如莎士比亚剧作的演出，演员一般即穿伊丽莎白时期的生活服装上台。17世纪宫廷舞台的戏剧从服装到布景都在争奇斗艳，以炫耀为目的。意大利的假面喜剧(即兴喜剧)则又别具一格，定型化角色必须戴假面具穿上特制的定型化服装上台，以便观众识别。18世纪欧洲舞台上出现了一股考古风，为了追求历史真实，加强真实感，服装上添加了若干有历史特征的饰物，法兰西喜剧院演员塔尔马更带头穿着仿古罗马服装演出。后来考古风愈演愈甚，致使舞台服装竟按博物馆中实物仿制，直至进入20世纪前后法国 A.安托万导演的《群鬼》与俄国斯坦尼斯拉夫斯基导演的《夜店》才扭转局面。

1890年后象征主义、表现主义、构成主义、未来主义等现代流派戏剧相继出现于欧洲剧坛，曾一度风行的自然主义戏剧剧作受到了挑战和排斥。在现代派的戏剧演出中，包括莎士比亚剧作在内的古典名剧，舞台服装也都变得抽象化、怪诞化，设计者的主观因素明显加强，从而行成一股强有力的冲击力。1928年起，英国导演B.杰克逊使用现代服装演出《麦克白》引起轰动，随之出现了以日本歌舞服装演出的《罗密欧与朱丽叶》和以阿拉伯服饰演出的《第十二夜》。

20世纪30年代以来，西方戏剧观及舞台美术的设计思想经历了很大变化。写实主义与非写实主义戏剧在服装设计领域里都开创了各自的广阔天地，形成多样化的格局。